Довольно молодая женщина (Александре всего 33), родившаяся и выросшая в Санкт-Петербурге, придерживающаяся крайне независимых и нестандартных взглядов на жизнь - она анархистка, язычница (исповедует северную традицию Асатру), антиклерикалка (борется с христианством и его влиятельными представителями), лесбиянка, а также, что немаловажно - талантливый и выдающийся художник.

Жанр, в котором работает Боделлер - фантастический реализм на грани с сюрреализмом.

Ее полотна населены потусторонними существами, что не может не заинтересовать посетителей этого форума. Некоторые образы попросту сами приходят к художнику в сознание, словно закрепляя своим появлением некий "заказ" своего портрета...

О жизни Боделлер известно немного - только то, что она сама хочет, чтобы было услышано. Как, например, то, что она прожила несколько лет в Германии, а также работала под мужским именем. Также немаловажно ее участие в различных арт-перформансах и моделлинг для творческих фотосестов некоторых фотографов, что, в свою очередь, можно рассматривать как хобби художницы.

Но вернемся же к ее полотнам. Ее картины можно классифицировать по нескольким категориям - "Явления и существования" - как раз-таки упоминавшиеся выше "заказчики" с Другой Стороны, "Барокко Порока" - смесь барочных мотивов с ацтекскими, захватывающее зрелище, "Sappho-nation" - дань сексуальным предпочтениям Александры, цикл, посвященный сугубо женской любви. Александра и ее представители в сети анонсируют еще один цикл, название и тематика которого пока не разглашается.

В 1990 году после кратковременного выхода из тела и последовавших за этим особых состояний сознания начал придавать рисованию особую роль. Некий дух по имени Сабамириус периодически навещал его. Именно Сабамириус посоветовал работать под псевдонимом и заняться дальнейшей учёбой.

В 1992 году Армодэй поступает на учёбу в творческую студию-мастерскую «Дизайн-Центр» к преподавателю В. С. Балабанову. Первая персональная выставка проходит в 1996 году в Д/К Химиков в г. Чирчике. В том же году выставка в Русском Драматическом театре им. Горького была сорвана представителями РПЦ.

С 1997 года живёт и работает в Ташкенте. Женат. Содержит в доме гадов, пауков и скорпионов. Детей нет и не хочет. Мизантроп. Любит избранных. Жену периодически обижает. В церковь ходить не любит. Слушает музыку, от которой у нормальных людей сводит мускулатуру прямой кишки. Чувство юмора – в зачатке. Интересуется всем, связанным с мифологией, мистикой, эзотерикой, тайными обществами и знаниями. На контакт с официальными государственными лицами не идёт. Предпочитает личные связи и теневую тёмную сторону.

Свободное творчество, т.е. свои, по мнению известно кого, якобы "богомерзкие бумагомарания" - считает делом своей жизни. Все знаки с "ихней" стороны (запрещения выставок, отказы в членстве в Академии искусства Узбекистана, блокирование финансовых сфер, лишения Здоровья, унижения и оскорбления) - тотально игнорирует. "Нормальным человеком" - упорно не желает быть!

Взято с официального сайта автора/

Также, Армодей Моро является участником дружеского и союзного нам ресурса "Иерархия Сатаны".

Все работы публикуются тут с разрешения автора. ©

Его творчество является уникальным даже не манерой исполнения, которая, тем не менее, находится высоте, не идеологическим содержанием - таким близким к Сатанизму... точнее, не близким - оно и есть Сатанизм в визуальной форме, но тем, насколько ярко и точно удалось автору показать саму суть Тёмного Пути !!..

Впрочем, комментарии тут излишни. Это просто надо видеть !!

Более подходящего раздела на форуме не нашёл.

Итак

Смерть Клеопатры Рени Гвидо

Тициан. Аполлон и Марсий. Сатир, который посмел спорить с богом в умении творить красоту..

Мда... Оценил качество картин и понял, что наслаждаться ими в таком виде занятие не слишком благодарное.. Но тема пока пусть поживет, возможно и найдутся ценители...

В 1904 г. Пикассо обосновывается в Париже. Период с 1905 по 1907 г. известен как "розовый период": художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами были странствующие комедианты, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных. От экспериментов с цветом и передачи настроения он обратился к анализу формы и вместе с Браком, которого встретил в 1907 г., становится родоначальником кубизма - художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

В 1920-х гг. Пикассо пишет некоторые из своих наиболее известных, классических работ, отчасти навеянных впечатлениями от поездки в Италию. В это время он продолжает экспериментировать, обнаруживая близость с сюрреализмом. Начиная с 1925 г. Пикассо создаёт выразительные работы, написанные в резкой, неистовой манере. Кульминацией стала самая известная живописная работа художника - "Герника", (1937 г.), отразившая ужас и мерзость войны.

Скульптурные произведения Пикассо также свидетельствуют о мощи его незаурядной фантазии, а как график (рисовальщик, офортист, литограф, линогравёр и дизайнер в дягилевских "Русских сезонах") он считается одним из великих художников 20 века. Работы Пикассо эмоциональны, многие из них, несмотря на пессимистическую тональность проникнуты страстной верой в жизнь. Мало кто из его современников обладал такой способностью представлять с помощью изобразительных средств жестокость и глупость в столь обнажённом виде или восторг всепобеждающей любви.

Биография и творчество:

Пабло Пикассо

Галерея живописи

Pablo Picasso

Леонардо не имел фамилии в современном смысле; «да Винчи» означает просто (родом) из городка Винчи». Полное его имя — итал. Leonardo di ser Piero da Vinci, то есть «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи».

Родителями Леонардо да Винчи были 25-летний нотариус Пьеро и его возлюбленная, крестьянка Катерина. Вскоре Пьеро женился на богатой и знатной девушке, но этот брак оказался бездетным, и он забрал своего трехлетнего сына на воспитание. Разлученный с матерью Леонардо всю жизнь пытался воссоздать ее образ в своих шедеврах.

Отец пытался приобщить сына к семейной профессии, но безуспешно: Леонардо не интересовался законами общества.

В XV веке в воздухе носились идеи о возрождении античных идеалов. Во Флорентийской Академии лучшие умы Италии создавали теорию нового искусства. Творческая молодежь проводила время в оживленных дискуссиях. Леонардо оставался в стороне от бурной общественной жизни и редко покидал мастерскую. Ему было не до теоретических споров: он совершенствовал свое мастерство. Однажды Верроккьо получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов. Это была обычная практика художественных мастерских того времени: учитель создавал картину вместе с помощниками-учениками. Самым талантливым и старательным поручалось исполнение целого фрагмента. Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем. Как пишет Вазари, пораженный Верроккьо забросил кисть и никогда больше не возвращался к живописи.

В 1482 Леонардо, будучи, по словам Вазари, очень талантливым музыкантом, создал серебряную лиру в форме конской головы. Лоренцо Медичи послал его в качестве миротворца к Лодовико Моро, а лиру отправил с ним как подарок.

Во Франции Леонардо почти не рисовал. У мастера онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи. Третий год жизни в Амбуазе 68-летний Леонардо провел в постели. 23 апреля 1519 года он оставил завещание, а 2 мая скончался в окружении учеников и своих шедевров. Леонардо да Винчи был похоронен в замке Амбуаз. На могильной плите была выбита надпись: «В стенах этого монастыря покоится прах Леонардо да Винчи, величайшего художника, инженера и зодчего Французского королевства».

Хотя Леонардо в первую более известен как художник, тем не менее сам в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или ученым. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно поврежден. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса, решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были еще достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы ее видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато — дымки между зрителем и изображенным предметом, которое смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешел на качественно новую ступень.

Информацию и работы можно найти на Мир Леонардо да Винчи и Леонардо да Винчи.

Моим любимым видом изображения является натюрморт в его изначальном варианте. Название походит от Nature morte - мертвая натура. Цветы, черепа, вино, забытые книги, пожелтевшие картины... Живописания смерти, ее красивых сторон...

На тле таких художников выделяется Ян Хам. Сперва отмирания как будто не видно на картинах... Красивые цветы, вкусные фрукты, отсутствие намека на быстротечность бытия... И только вглядевшись понимаешь, что цветы давно завяли, а плоды гнилые, служат лишь пищей для мух...

А какие Ваши любимые направления, стили, виды?

Псевдоним «Лео Хао» получился, когда имя художника «Лёха» разбили на две части и добавили к концу каждой букву о. Академического художественного образования не имел, самоучка. В 1990-е годы работал гробовщиком и изготовителем надгробных плит. Известным стал после начала активного сотрудничества с издательством Эксмо и группой Ария. Номинант на премии «Странник-2001» и «Интерпресскон».

Работы:

В настоящее время кисти Лео Хао принадлежат работы в следующих областях:

Музыкальные альбомы:

все обложки альбомов и синглов группы Ария, начиная с 2001 года (Химера, Штиль, Колизей, Крещение Огнём, Чужой, Армагеддон, Пляска ада, Живой огонь, Поле битвы), а также многочисленная мерчандайзинговая продукция группы, дизайн маек, декорации; является официальным фотографом группы;

обложки синглов The Bard’s Song in the Forest и Another Stranger Me группы Blind Guardian, концертного DVD Imaginations Through the Looking Glass;

обложки альбома The Glorious Burden группы Iced Earth и обложки синглов;

обложки альбомов Сергея Маврина и его группы «Маврин»;

обложка альбома группы The Arrow (также часть текстов песен к альбому написаны Лео Хао);

обложка альбома Metallic Tragedy группы Magic Kingdom, повторяющая обложку книги Юрия Никитина «Изгой»;

обложка альбома Hordes of the Brave группы Iron Mask;

обложки альбомов На подступах к небу, Не покоряйся судьбе! группы Виконт;

обложки альбомов Я тот, кто я есть!, Пульс группы Чёрный кузнец;

обложка альбома Характерник группы Реанимация;

обложки альбомов Иду на Вы!, Звезда Руси группы Иван-Царевич;

обложка альбома Кукушкины дети группы Калевала;

обложки сборников Украдено из студии, Украдено из студии 2 от MastersLand.com.

Книги:

обложки книг Юрия Никитина;

обложки книг Вадима Панова;

обложки книг Генри Лайон Олди;

иллюстрации к книгам Ника Перумова;

иллюстрации к «Властелину колец» Джона Толкина.

Компьютерные игры:

иллюстрации к Heroes of Might and Magic V;

иллюстрации к многопользовательской ролевой игре «Легенда: Наследие драконов»;

иллюстрации к многопользовательской ролевой игре «Троецарствие».

Струйки и лужицы крови на его картинах так натуральны, что подержав их, впору осмотреть одежду и руки - не запачкался ли... Марка можно назвать самым готичным художником современности. Кристина Риччи, игравшая девочку из семейки Адамсов в одноимённом фильме, сама стала героиней одного из шедевров. У Марка Райдена есть фирменная фишка. Кроме подписи, из картины в картину переходят его особые знаки: глаз и шмель.

Очень часто многие проводят параллели между творчеством художника Марка Райдена (Mark Ryden) и причудливыми персонажами из книги «Алиса в стране чудес» Льюиса Кэрролла. И Марку Райдену это льстит, ведь он считает себя истинным фанатом Кэрролла, и нисколько не возражает против такого сравнения.

Марк Райден рос в творческой среде и с детства знал, что будет художником. Его юношеская заинтересованность искусством привела его в престижную школу искусств в Пасадене, на обучение в которой он выиграл стипендию.

Здесь его страсть к иллюстрации, графическому дизайну и традиционной живописи стала основой для широкого ряда подходов, которые он использует в своей карьере вот уже много лет.

На первый взгляд работы калифорнийского художника кажутся отражением сюрреалистических веяний. Однако Райден выбирает темы, которые несут культурные коннотации. Его интересует то, что разные люди и культуры считают священным.

Картины Марка Райдена полны странных и непонятных символов, которые открывают дверь в тайную жизнь. Снова и снова встречаешь алхимические символы, религиозные знаки, первобытные пейзажи, элементы нумерологии и мировых религиозных традиций, а также изображение животных и большеглазых детишек. И те, кто внимательно смотрит на картины художника, понимает, что дети здесь вовсе не невинные ангелочки, а пытливые и жадные наблюдатели того, что взрослые пытаются скрыть. Зрителям передается авторский месседж относительно мира, где существа живут по принципу детской честности, об отношениях друг с другом и самими собой. Марк Райден исследует комфорт детства, где есть место воображению, способности удивляться миру, открытости новым идеям.

Марк Райден в настоящее время живет и работает в Лос-Анджелесе, где он спокойно и счастливо отдается творчеству среди своих многочисленных коллекций статуэток, скелетов, книг, разных безделушек, живописных полотен и другого антиквариата. Работы Райдена выставляются в музеях и галереях по всему миру.

...«Я хочу предварительно отметить, в действительности это не я рисую свои картины. Это все Волшебная Обезьянка. Она приходит ко мне в студию поздно ночью, когда всем овладевает тишина. Непостижимые вещи происходят тогда, когда большинство людей спят. Я помогаю Волшебной Обезьянке, но почти все делает она. Наибольший мой труд – помочь ей появиться. Она чрезвычайно прихотлива. Правое полушарие мозга очень важно; я должен переключить свой ум из логического мышления на креативное, высвободить свободные ощущения. Если я начинаю думать много, то лучше будет пойти подремать или поиграться с сыном. Потому что все должно происходить непринужденно, почти бессознательно. Когда вы поверите – все состоится. Вы почувствуете это. Это как магия. Обезьянка приходит, стучит в двери, мы достаем краски и кисти из ящика, мы идем творить искусство»...

Марк Райден

Вот как характеризует творчество Гигера его друг, знаменитый психоделический гуру Тимоти Лири: Он погружается в наши биологические воспоминания. Он делает наши младенические фотографии за восемь месяцев до нашего рождения. Гинекологические пейзажи. Внутриматочные открытки. Гигер опускается даже еще глубже - в ядерную структуру наших клеток.

Многие считают его художником Зла. Со студенческих лет Гигер предпочитал селиться в "проклятых" домах, коллекционировал ритуальные предметы, использовавшиеся в ритуалах типа Черной мессы. В 1975 г. он участвовал в парижской выставке, посвященной Дьяволу; многие его работы носят богохульственный характер, выворачивая наизнанку образы причастия и распятия. Гигер участвовал в оформлении байк-шоу ''Ангелов Ада'' в Швейцарии. После выхода''Necronomicon'' его заочно приняли в одно из тайных обществ под именем ''Frater Alien'' (Брат Чужой).

Однако, вышесказанное не умаляет его таланта. У него есть оригинальный, узнаваемый стиль. Он очень разноплановый Художник. Гигером создано множество художественных произведений: начиная от карандашных эскизов и заканчивая скульптурами. И все же излюбленной его техникой и "визитной карточкой" остается напыление акриловых красок с использованием накладных шаблонов. Гигер владеет музеем и баром. (тут)

Проявил он себя и как дизайнер декораций и костюмов для кинофильмов. Правда первый опыт был не удачным. В 1976 г, вместе с Сальвадором Дали и Алехандро Ходоровским, Гигер работал над экранизацией произведения Френка Герберта ''Дюна''. Тогда он познакомился с Ридли Скоттом и Дэном О'Бэнноном, также принимавшими участие а этом проекте. С фильмом не заладилось, всех уволили и его отложили на 8 лет.

Не все его идеи использовались в синематографе, из-за чего у Ханса напряжённые отношения с Голливудом, но всё же его биомеханические конструкции, обитатели иных миров и темных закоулков человеческой психики, знакомы зрителю по фильмам ''Чужой'' (1979), ''Полтергейст 2'' (1986), ''Чужой 3'' (1992), ''Особь'' (1995) и ''Чужой: воскрешение'' (1997). ''Чужой'' сделал Гигера знаменитым, за него он получил Оскара.

Ованес (Иван Константинович) Айвазовский родился в семье купца Константина (Геворга) и Репсиме Гайвазовских.

После переселения в Феодосию Константин Гайвазовский женился на местной армянке Репсиме. Первоначально торговые дела Гайвазовского шли успешно, но во время эпидемии чумы 1812 г. он разорился. Поэтому детство художника проходило в бедности, однако благодаря его таланту он был зачислен в симферопольскую гимназию, а затем и в Академию художеств Санкт-Петербурга; учился у М. Н. Воробьева и Ф. Таннера, а также и у В. Е. Раева.

В дальнейшем, получая пенсию Академии художеств, жил в Крыму (1838-40) и Италии (1840—44), посетил Англию, Испанию, Германию, позже путешествовал по России, Ближнему Востоку, Африке, Америке.

В 1839 году по приглашению начальника кавказской прибрежной линии генерала Н. Н. Раевского написал «Десант отряда в долине Субаши». Картину приобрёл император Николай I. В 1844 году стал живописцем Главного морского штаба, а с 1847 — профессором Петербургской Академии художеств; состоял также в европейских академиях: Рима, Флоренции, Амстердама и Штутгарта.

Иван Константинович Айвазовский писал в основном морские пейзажи; создал серии портретов крымских побережных городов. Его карьера была очень успешной. В общей сложности художник написал больше 6 тысяч работ.

С 1845 жил в Феодосии, где на заработанные деньги открыл школу искусств, ставшую впоследствии одним из художественных центров Новороссии, и галерею (1880), стал основоположником Киммерийской школы живописи, был инициатором строительства железной дороги «Феодосия — Джанкой», построенной в 1892 г. Интересовался археологией, занимался вопросами охраны памятников Крыма, принимал участие в исследовании более 80 курганов (часть найденных предметов хранится в кладовой Эрмитажа).

На свои средства построил новое здание для Феодосийского музея древностей с мемориалом П. С. Котляревского; за заслуги перед археологией избран действительным членом Одесского общества истории и древностей.

По его завещанию картинная галерея перешла в дар Феодосии. В основанной им Феодосийской картинной галерее, ныне носящей его имя, полнее всего представлено творчество великого мастера. Архив документов Айвазовского хранится в Российском государственном архиве литературы и искусства, Государственной публичной библиотеке им. М. Е. Салтыкова-Щедрина (Санкт-Петербург), Государственной Третьяковской галерее, Государственном центральном театральном музее им. А. А. Бахрушина. Скончался Айвазовский во время работы над картиной «Взрыв турецкого корабля».

Айвазовский похоронен в Феодосии, в ограде средневековой армянской церкви Сурб Саркиса. На мраморном надгробии в форме саркофага надпись на древнеармянском из Мовсеса Хоренаци: «Рожденный смертным, оставил по себе бессмертную память».

Биография и творчество:

Русские художники. Иван Константинович Айвазовский

Русская живопись. Айвазовский

Сальвадор Дали родился в городе Фигерасе (Figueras(исп.), провинция Жерона на севере Испании), в семье зажиточного нотариуса. Обучаться изобразительному искусству начал в муниципальной художественной школе. С 1914 по 1918 г. воспитывался в Академии братьев ордена маристов в Фигерасе.

Сальвадор Дали, 1939

В 1916 г. в городе Кадакес впервые познакомился с модернистским искусством. Первая персональная выставка Дали состоялась в 1919 г. В 1921 г. Сальвадор отправляется для учёбы в Мадрид, в Академию художеств Сан-Фернандо, где знакомится с такими деятелями испанской культуры, как Луис Буньюэль, Федерико Гарсиа Лорка и Педро Гарфиас.

Знакомство с новыми течениями в живописи развивается — Дали экспериментирует с методами кубизма и дадаизма. В 1926 г. его выгоняют из Академии за высокомерное и пренебрежительное отношение к преподавателям. В том же году впервые едет в Париж, где знакомится с Пикассо. Пытаясь найти собственный стиль, в конце 1920-х создает ряд работ под влиянием Пикассо и Хуана Миро. В 1929 г. участвует вместе с Буньюэлем в создании сюрреалистического фильма «Андалузский пёс».

Работы Дали демонстрируются на выставках, он завоевывает популярность. В 1929 г. примыкает к группе сюрреалистов, организованной Андре Бретоном.

После прихода к власти каудильо Франко в 1936 году Дали ссорится с сюрреалистами, стоящими на левых позициях, и его исключают из группы. В ответ Дали не без оснований заявляет: «Сюрреализм — это я».

С началом второй мировой войны Дали уезжает в США. В 1942 г. выпускает свою беллетризованную автобиографию «Тайная жизнь Сальвадора Дали». Его литературные опыты, как и художественные произведения, как правило, оказываются коммерчески успешными. После возвращения в Испанию живёт преимущественно в своей любимой Каталонии. В 1981 г. у него развивается болезнь Паркинсона.

Дали скончался от сердечного приступа. Тело художника замуровано в полу в музее Дали в г. Фигерас. Великий художник при жизни завещал похоронить его так, чтобы по могиле могли ходить люди.

Доска на стене в комнате, где погребен Дали:

Жизнь и творчество Сальвадора Дали

Ко времени окончания школы ему был присужден гран на продолжение обучения во Флоренции. Но в 1964 году, без знания английского языка и с 80 долларами в кармане, он приехал покорять Нью-Йорк. На протяжении 6 месяцев он работал в Хартфорде, а затем в Нью-Йорке. Ему потребовалось около двух лет, чтобы из работающего на компанию оформителя трансформироваться в «свободного» художника. Последующие 8 лет он брался за любую работу. За эти годы непрерывного труда, работая практически для всех крупных издательств в направлении фэнтази и научной фантастики, Валледжо освоил различные стили, которые помогли ему сформировать и развить свой собственный стиль.

Борис Валледжо также иллюстрировал обложки альбомов, видеофильмов и создавал графическую рекламу к кинофильмам.

В настоящее время Валледжо считается классиком изобразительного искусства в жанре фэнтази.

Один из наиболее значительных аспектов творчества Бориса Валледжо - это реалистичность его произведений. Глядя на его законченные полотна, которые являются живым воплощением грез или кошмаров, испытываешь искушение вступить в этот фантастический мир. В жанре сказочной героической фантастики Валледжо привлекают такие фигуры, как Конан, Тарзан, мифологические боги, герои и мифические существа. Заметно, что человеческие фигуры списаны им с людей, увлекающихся бодибилдингом. Как правило, в центре его произведений преобладают мужчины с мощной мускулатурой и роскошные женщины, которые, в соответствии с традициями жанра, практически всегда изображены эротично.

Борис Валледжо не рисует людей с натуры. Обычно он имеет дело с фотографиями, чтобы не заставлять модели подолгу позировать, хотя у него за плечами - длительный опыт зарисовок с натуры. В конце концов, модель или фотография - это всего лишь отправная точка. Его живопись - это полет фантазии, а не документальный рассказ о земной реальности. В процессе преобразования рисунка или фотографии в окончательный вариант картины возникают сознательные и бессознательные вариации образа, и в конечном итоге изображение становится более драматичным.

Картины Валледжо основаны на существующей реальности, но он далеко ушел от слепого следования природе. Доказательством этому служит то, что мифические персонажи его картин несут ту же печать значительности, что и человеческие фигуры. Совершенно очевидно, что это плод воображения, но они являются такими убедительными только потому, что художник внимательно изучал окружающий мир. Персонажи картин Валледжо часто рождаются из комбинации фотографий людей и животных.

И для создания фэнтазийной реальности необходимы твердые познания в анатомии и способность художника сплавлять отдельные элементы в органичное целое. Однако и этого недостаточно. Когда художник изображает фантастические создания, важно не просто сделать картину убедительной, по и нарисовать вымышленного гибрида так, чтобы он казался живым.

Едва ли нужно говорить, что все, что ни делает Борис Валледжо, он делает исключительно хорошо. Если вам нравится героическая фантастическая живопись, то это ваш художник. Эротический аспект, всегда пронизывающий его произведения, полностью продемонстрирован в альбоме "Мираж", стихотворный текст к которому написала его жена Дорис. Валледжо заканчивает предисловие к "Миражу" интересным замечанием, которое проливает свет на его отношение к этой теме: "Когда я встречаю на улице красивую женщину, мне нравится смотреть на нее. Пытаюсь ли я представить себе, что я буду чувствовать, если прикоснусь к ней? Или если займусь с ней любовью? Нет, но частично эти ощущения находят отражения в моей живописи. А в этот момент я просто наслаждаюсь тем, что вижу".

Работы Бориса Валледжо говорят о вечной борьбе добра и зла, о красоте человеческого тела, о торжестве разума над грубой животной силой.

Ссылки на работы художника:

Борис Валледжо. Избранное

"ФАНТАСТИЧЕСКИЙ МИР"

В ее работах чувствуется сильное влияние готики: призрачные женщины в длинных платьях, вампиры, кладбища - наиболее общие черты ее произведений.

Художница считает, что на ее творчество оказали огромное влияние произведения писателей Эдгара По, Анны Райс, Х.П.Лавкрафта и работы художников Луиса Ройо (Luis Royo) и Брома (Brom).

Она иллюстрировала несколько книг, ею создано так же и немало постеров.

Первая книга Франсез "Favole" была выпущена в апреле 2003 и имела определенный успех.

После чего художница возвратилась в Universidad Bellas de Bellas Artes, чтобы продолжить изучать искусство живописи.

Ее первый официальный выход в свет состоялся на 22-ой Annual Comic Fair в Барселоне в марте 2004. За последнее время были выпущены другие книги художницы.

Еще одна "Favole", как ожидается, скоро завершит трилогию.

В школе в четвёртый класс Адольфа перевели с условием, что он уйдет в другую школу. По этой причине он поступил в государственное высшее реальное училище в Штейре, однако ещё до окончания 4-го класса решил, что последний, пятый класс он посещать не будет.

Хорошие оценки он получал только по рисованию, так как обладал художественным даром. Единственным, что его действительно интересовало, была архитектура.

В 13 лет у Адольфа умер отец. Впоследствии он писал: «Эта смерть всех нас погрузила в глубокую печаль».

В 16 лет Гитлер бросил училище в Штейре, не получив среднего образования. Пел в церковном хоре. В ранние годы уже интересовался мистицизмом и философией. Мечтал стать художником, занимался копированием полотен известных в то время художников. Весьма часто его можно было встретить в театрах и опере. Он много читал и был «всеяден»: любил и приключенческую литературу, и эзотерику. Любил прогулки на свежем воздухе, в лесах близ Линца.

После смерти матери (1907) Гитлер перебрался в Вену. Несколько раз пытался поступить в Венскую художественную академию и всякий раз проваливал экзамены. Ректор академии сказал, что привезённые Гитлером рисунки не оставляют ни малейших сомнений в том, что художника из него не выйдет. Но из этих рисунков видно, что у Гитлера есть талант архитектора, — и он должен совершенно бросить мысль о художественном отделении и подумать об отделении архитектурном. Дело было в том, что среди его работ не было портретов, а второй этап экзаменов академии заключался в их оценке. Первый этап экзаменов — оценку пейзажей, натюрмортов он преодолевал блестяще.

Жил в приютах для бездомных, перебиваясь случайными заработками — работал на стройке, позже рисовал почтовые карточки и рекламные объявления. В ту пору ему удалось продать ряд своих акварелей.

В 1983 году началась его карьера иллюстратора в издательстве NORMA. Его работы попали за пределы страны и были опубликованы по всему миру.

В 1992 году издательство NORMA опубликавало в Испании его книгу WOMEN, в которую вошли избранные рисунки за предыдущие восемь лет. Издательство Soleil Productions выпускает француское издание, а Edition Comic Forum - немецкое. Так же проша небольшая выставка его произведений.

В 1994 году NORMA издает в Испании его новый сборник репродукций - MALEFIC, который так же был издан во Франции (изд. Soleil), в Италии (Hazard) и других страных (Konemann). Так же был переиздан сборник WOMEN, которому журнал Penthouse USA посвятил целую статью.

В 1996 Ройо выиграл награду Silver Award SPECTRUM III: The Best in Contemporary Fantastic Art (Лучшее в современном фантастическом искусстве), а так же в издательстве NORMA была опубликован его третий сбооник - SECRETS. В содрудничестве издательств NORMA и Heavy Metal вышел с свет его порфолио - WARM WINDS (Теплые ветра).

В 1998 году Луис Ройо издает свой следующий сборник репродукций - III MILLENNIUM, в котором он отражает свое отношение и взляд на конец века. Так же издается так называемый BLACK TAROT, календарь на 1999 год (изд. Heavy Metal). Выходит в свет пятая серия открыток, также под названием III MILLENNIUM.

В 1999 он издает новый сборник DREAMS, в который входят все иллюстрации за предыдушие десять лет. Позже в этом же году выходит его сборник PROHIBITED BOOK. Этот сборник координально отличается от предыдущих, он более эротический и откровенный.

После появился новый сборник - PROHIBITED BOOK II. Он дополняет первую книгу, в нем художник раскрывает новый образ сексуальности, в большей степени внутреннюю, которая отличается от физической сексуальности.

В сборнике EVOLUTION, который выходит в свет за несколько месяцев до появления второй части PROHIBITED BOOK, художник опять возвращается к большому формату. В этой новой книге, как это было в сборнике DREAMS, собраны как новые произведения художника, так и иллюстрации, которые он делал для различных издательств, таких как Tor Books, Ballantine Books, Eura o Marvel Comics. И так же, как все и предыдущие сборники, этот посвящем женской красоте.

Биография и творчество:

Librarians Mansion

Art Gallery

--------------------------------------------------------------------------------------------------------

Эдвард Горей родился в Чикаго в 1925 году, в семье крайне неординарной. Его родители развелись, когда ему было одиннадцать и поженились вновь, когда ему исполнилось двадцать пять, судя по упоминаниям типа «одна из его мачех была певицей кабаре» - юность свою он провел очень насыщенно. До того как стать художником он успел послужить в армии и провести несколько лет в Гарварде, изучая французскую поэзию, он даже печатался под псевдонимом Френка О’Хары. Он всегда повторял, что его обучение рисованию было «незначительным» и, возможно именно этим объясняется такая яркая индивидуальность его работ.

Он славился своей любовью к балету и на протяжении многих лет посещал все представления балета Нью-Йорк Сити, обладал обширными познаниями в области кинематографа и литературы. При этом он активно пропагандировал мыльные оперы и ТВ-комедии. Он оформил множество книжек для детей, хотя не долюбливал их. За свою жизнь он так и не женился, считая себя асексуалом, он утверждал, что для него гораздо ценнее человеческая личность. Его творчество заставило верить читателей, что он англичанин, хотя он никогда в жизни не был в Англии. Это человек, который создал вокруг себя непростой и противоречивый мир и заставил окружающих верить в него. Он стал если не основателем, то уж точно первопроходцем новой суб-культуры. его очень тяжело отнести к какому-нибудь жанру. Сам он называл свой стиль «литературной бессмыслицей», это определение было придумано Льюисом Керроллом и Эдвардом Ли, Горей уважал эту формулировку за точность и в ответ на обвинение в излишеней готичности, говорил, - «Если Вы делаете бессмыслицу, она может быть достадочно ужасной, поскольку там не может быть никакого смысла. Я не думаю, что есть солнечная бессмыслица. Солнечная, странная бессмыслица для детей, ох, какая скучная. Как говорил Шуберт, - нет счастливой музыки. И это - истина, ее действительно - нет. И вероятно, нет, также никакой счастливой бессмыслицы». Большинство его работ довольно хорошо включаются в жанр литературной бессмыслицы, пока нет ни одной категории, которая может более точно охарактеризовать его творчество, проявившееся во многих книгах , театральных постановках., а так же музыкальных альбомах панк и готик групп, в которых он выступал как вдохновитель и соавтор.

Эдвар Горей умер в апреле 2000 года оставив после себя кусочек своего фантастического мира который еще долгое время будет вдохновлять и вызывать неоднозначные реакции, такие же неоднозначные, как и сам творец. Взято отсюда.

1573 Родился в Ломбардии в семье Ферме Меризи, занимавшегося строительством при дворе Франческо Сфорца, маркиза ди Караваджо.

1576 Спасаясь от эпидемии чумы, семья возвращается из Милана в городок Караваджо, где Меризи проживали раньше,

1577 Отец Караваджо умирает от чумы.

1592 Получает наследство (мать художника умерла двумя годами ранее). По всей видимости, в конце того же года переезжает в Рим.

1597 Поступает на службу ко двору кардинала Франческо дель Мойте, своего первого покровителя.

1599 Заключает контракт на написание двух больших картин для капеллы Контарелли в Риме. Заканчивает их в следующем году.

1601 Выполняет еще один престижный заказ - два полотна для капеллы Черази.

1604 Упоминание о Караваджо появляется в «Книге художников» Карела ван Мандера, что свидетельствует о растущей популярности художника.

1606 Убивает в случайной стычке человека. Вынужден бежать из Рима.

1607 После девятимесячного пребывания в Неаполе перебирается на Мальту.

1608 Становится рыцарем Мальтийского ордена, но после бурной ссоры с его высокопоставленным членом оказывается в тюрьме. Бежит из-под стражи.

1609 Преследуемый рыцарями-госпитальерами, возвращается в Неаполь.

1610 Приезжает в Порто-Эрколе. 18 июля умирает от малярии в возрасте 37 лет.

О жизни Вермера известно очень немногое. Он родился (по крайней мере был крещён) 31 октября 1632 года в Делфте, в семье предпринимателя-торговца. Ян был вторым ребёнком в семье и единственным сыном своих родителей.

29 декабря 1653 г. Ян Вермер был принят в гильдию Святого Луки. По условиям гильдии членство в ней предваряли шесть лет серьёзного обучения живописи у мастера, состоявшего в гильдии. Ян Вермер был знаком с художниками Леонартом Брамером и Герардом тер Борхом. На основании этого факта строились предположения о том, что Вермер возможно состоял в обучении у одного из них. Безусловно огромное влияние на творчество Вермера оказал голландский мастер жанровой живописи Питер де Хоох, проживавший в Делфте с 1652 по 1661 гг.

Со 2-й половины 1650-х годов Вермеер писал небольшие картины с одной или несколькими фигурам в залитом серебристым светом интерьере городского дома (“Девушка с письмом”, “Служанка с кувшином молока”), уделяя внимание не столько сюжетно обоснованному действию, сколько общему лирическому настрою сцены, душевному состоянию персонажей. И что любопытно: половина из них написаны как бы в одном месте; при этом место художника также остается неизменным. И в этом отношении можно увидеть Вермеера - драматурга, разыгрывающий зрителя.

Тщательная, любовная выписанность деталей воссоздающая фактурное богатство предметного мира, тонкое использование естественного освещения, как бы преображающего интерьер, раскрывают поэзию повседневного домашнего бытия, органическое единство человека и окружающей его среды. Классическая ясность, естественность и живая выразительность композиции, легкая вибрация света и воздуха, светонасыщенность звучного цвета, богатая игра оттенков и скользящих рефлексов, красочность бликов одухотворяют мир людей и предметов, сообщают им внутреннюю значительность.

В конце 1650-х годов Вермеер создал два шедевра пейзажной живописи: лирически проникновенную, тонкую по исполнению “Улочку” и сияющий свежими, чистыми, мягкими красками “Вид Делфта”. В 1660-е годы творчество Вермеера становится более созерцательным и изысканным, живопись – более холодной, матово-эмалевой, выдержанной в жемчужной гамме с яркими пятнами лимонно-желтых и голубовато-синих тонов (“Девушка с жемчужной серёжкой”).

Ещё при жизни художника за картины Яна Вермера платили очень хорошие деньги. В основном Вермер писал для своих заказчиков-меценатов. Главными покровителями художника и почитателями его творчества были пекарь Хендрик ван Буйтен и хозяин печатной мастерской Якоб Диссиус. Так же Вермер был известным экспертом по вопросам искусства.

К концу жизни экономическое положение художника значительно ухудшилось, и он был вынужден брать кредиты. В результате начавшейся в 1672 г. и продолжавшейся до 1679 г. войны с Францией замерла торговля живописью.

В 1675 г. Вермер заболел и умер спустя несколько дней. 15 января 1675 г. Ян Вермер был похоронен в фамильном склепе в церкви Ауде Керк в Делфте. Его жена была вынуждена отказаться от наследства и передала его кредиторам.

Материал и картины есть на:

Jan Vermeer van Delft

Ян Вермеер Делфтский. Art Gallery

Врубель во многом был новатором для своего времени. Художник рвёт с академическими принципами изобразительного искусства XIX века: непременное изображение движения и присутствие интриги. Теперь молчание и тайна — полноправные персонажи в изобразительном искусстве.

По службе его отец должен был часто переезжать — Омск, Астрахань, Петербург, Одесса. В этих учебных заведениях он проявлял разнообразные склонности к наукам.

"…в гимназические годы в Петербурге (Пятая гимназия у Аларчина моста) и в Одессе (Ришельевская) отвлекают брата значительно от любимого искусства; он увлекается в первой естествоведением (причем, между прочим, формует из мела целую систему кристаллов), а во второй — историей, по которой пишет, сверх нормы, большие сочинения на темы из античной жизни и средневековья" — Из воспоминаний А. А. Врубель, сестры художника

В 1874 году он поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета. Там посещал в Академии художеств вечерний класс П. П. Чистякова, который учил Василия Поленова и Валентина Серова, Репина и Сурикова, и Виктора Васнецова. Всерьёз увлекается философией Канта, влюбляется в оперных актрис, спорит об искусстве, всегда оставаясь при этом сторонником так называемого «чистого искусства», и много рисует. От университетских лет сохранились его иллюстрации к Тургеневу и Толстому, и среди них — знаменитая сцена свидания Карениной с сыном — изящная и красивая, но в которой Анна получилась больше похожей на роковую и демоническую женщину, чем на простую и милую Анну Льва Толстого. Но такой увидел её Врубель.

В 1880 году став студентом Российской Академии художеств, Врубель резко меняется до неузнаваемости. Из рассеянного и легкомысленного студента он превращается в фанатика свей работы. В Академии он сразу начал выделяться среди прочих студентов необычностью стиля и оригинальным взглядом на классические сюжеты (импрессионизм) — достаточно посмотреть на его первые акварели — «Введение во храм» и «Пирующие римляне». Наравне с Серовым, он один из самых преданных и один из самых отличаемых учеников профессора Чистякова, который надолго становится его кумиром. Именно от него он унаследовал любовь к натуре, к рисунку, к обнажению формы и к классике.

С 1884 по 1889 г. Врубель по приглашению профессора А. В. Прахова работал в Киеве, преимущественно создавая изображения на религиозные темы. К этому периоду относятся иконы и стенные росписи для Кирилловской церкви, эскизы неосуществленной росписи для Владимирского собора — их не позволили осуществить по причине «нерелигиозности». Здесь же художник пишет знаменитый портрет «Девочка на фоне персидского ковра» (1886).

В 1901 г у художника появились признаки душевного расстройства, у него ухудшилось зрение. Известие о душевной болезни Врубеля многие его друзья и коллеги воспринимают без удивления, даже с облегчением.

Врубель скончался 1 (14) апреля 1910 г в Санкт-Петербурге и похоронен на Новодевичьем кладбище.

1955 — в выставочном зале Московского союза художников состоялась выставка, известная как «50 новооткрытых рисунков Врубеля», созданная из коллекций профессора И. Н. Введенского и Ф. А. Усольцева, врачей-психиатров, лечивших Врубеля.

Работы Врубеля содержатся в собраниях Государственной Третьяковской галереи в Москве и Государственного Русского музея в Санкт-Петербурге.

Михаил Врубель

Галерея работ

"Я точно решил в средней школе в 1967, что художник, "или богатый, или известный", - это тот, кем я собираюсь стать!".

О своей художественная школе говорит просто: "...в основном, я самоучка, хотя некоторые азы получил в своем классе искусства в средней школе. В колледже я прошел небольшой курс живописи; также всегда изучал работы великих мастеров в музеях". В качестве инструментов Уоррен использует обычные масляные краски, кисть (но не аэрограф, как думают иногда) и холст.

Философия в искусстве: "К черту правила ... рисуй то, что тебе нравится".

Некоторые из главных достижений Джима Уоррена:

1975: Первое участие в публичном художественном показе (Вэствуд, Калифорния), и выигрыш первого приза.

1978: Уполномочен знаменитыми джазовыми музыкантами Билли Кобхамом и Джорджем Дуком оформить первую обложку для альбома.

1981: Лауреат премии Grammy за лучшее оформление альбома Боба Сегера №1 "Против Ветра".

1990: Картина "Земля... Полюбите Это, или Потеряйте Это". Работа получила критическую оценку, но была показана на плакатах, журналах, досках объявлений, футболках и скоро стала наглядным символом глобального движения за окружающую среду.

1992: Сотрудничество со знаменитым художником Уиландом (Wyland), основное направление в искусстве которого, было изображение морской жизни... Созданы работы: "Морская Жизнь" (Уиланд) и "Люди" (Уоррен).

1992-1993: Comic Images выпускают два набора карт на основе картин Джима. Каждый набор состоит из 96 изображений.

2000: "Мое самое большое достижение - это письма и сообщения, которые я получаю от людей, говорящих мне, что мои картины вдохновляют их, делают день немного ярче..."

В настоящее время Джим живет в Кливленде (Филадельфия) вместе со своей женой, дочерью, и сыном.

Вплоть до тридцатилетия Блейка его работы были известны в сравнительно узком кругу. Он стал больше известен после того, как взялся иллюстрировать популярную в середине 18 века философскую поэму Э. Юнга "Ночные размышления" ("Night Thoughts"). Блейк быстро выполнил 537 акварельных рисунков; их следовало выгравировать и отпечатать на больших листах как обрамление текста поэмы. В 1797 году была отпечатана 1-я часть с 43 гравюрами; издание не имело успеха и было остановлено. Но, Блейк нашел мецената, Т. Батса, чиновника в управлении главного вербовщика, который постоянно покупал его картины на протяжении следующих тридцати лет.

В 1818 году Блейк познакомился с молодым живописцем Джоном Линнелом, который предложил Блейку выполнить – с его финансовой помощью – гравюры-иллюстрации к Книге Иова. Они были опубликованы в 1826 году. После этой работы, снова при поддержке Линнела, Блейк начал готовить 100 иллюстраций к Божественной комедии Данте и закончил 7 гравюр. Последние прожитые им годы были самым счастливым периодом его жизни. Умер Блейк в Лондоне 12 августа 1827 года.

Творчество Блейка-художника можно разделить по фазам его преобладающих интересов. Первая (1790–1795) – всплеск великолепия, явленный в 11 больших цветных эстампах, лучший из которых – "Бог, творящий Адама" ("God Creating Adam"). Начиная с 1790 года Блейк создал обширную серию иллюстраций к книгам Ветхого и Нового Заветов в акварели и темпере. Блейк был убежден, что живопись его собратьев-соперников уступит в долговечности его рисованным темперой «картинам кабинетного формата», однако большая их часть растрескалась и потемнела, а кое-что погибло. В 1810–1817 годах Блейк подготовил несколько превосходных серий акварельных иллюстраций к Мильтону и Шекспиру. После 1817 года он был занят главным образом рисованием и гравировкой иллюстраций к Книге Иова, а затем к Данте.

Информация взята отсюда

Работы Уильяма Блейка

Чёрная линия.

Люцифер.

Мой собственный волк.

Готовься к войне (Para Bellum).

СТРАНИЦА УДАЛЕНА

Знакомы?

Ранние произведения проникнуты изяществом, мягким лиризмом. Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509—1517 года), достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величественных архитектурных фонов.

Сюжеты произведений Рафаэль разнообразны, но на протяжении всей жизни художника особенно привлекал образ Богоматери. Рафаэля заслуженно именовали "мастером Мадонн", его картины "Мадонна Конестабиле", "Сикстинская мадонна", "Мадонна в зелени", "Мадонна в кресле", приобрели мировую известность.

Проектировал собор св. Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512—1520 года) в Риме.

Преждевременная смерть помешала Рафаэлю получить небывалую для живописца награду и стать кардиналом.

Биография и творчество есть на:

www.RafaelSanti.ru

Лондонская Национальная Галерея

Биография Рафаэля Санти

Внутри гладких, почти фотографических штрихов карандаша Лори Липтон, находится мир запутанных деталей рисунка. Вдохновленная гиперреалистическими картинами фламандцев 15-ого столетия, она развила уникальную, решительно живописную графическую технику, используя лишь карандаш, подражает бесконечно живым мазкам темперы. Тысячи точных, тонких штриховок и ударов карандаша лежат между чистым листом и богатым монохромным миром фантазий.

"Моя мать и отец всегда относились к моему творчеству, как нормальные еврейские родители, они восклицали "Гениально!", каждый раз, когда я показывала им мою работу. Они чрезвычайно гордились мной, и показывали мои замученные, заполненные болью шедевры во время званых обедов в окружении друзей и родственников. Гости обеда смотрели бы на меня - милую, красиво одетую аккуратную маленькую конфетку, затем смотрели на мои рисунки и начинали медленно отодвигаться подальше.

Я была принята в один из лучших университетов, чтобы изучить Искусство, но быстро разочаровалась в том, что там преподавали. Это были 1970-ые, расцветал постмодернизм и при выполнении работ каждый старался сделать что-то необычное, далекое от канонов и классики. Например, если нужно было рисовать автопортрет, то студенты ввели бы в картину скалы, сломанные зеркала, или резали бы холсты, и объясняли потом, почему это является искусством. Я имела обыкновение скрываться в библиотеке и в течение многих часов, копировала Дюррера, Гойю, Мемлинга и Босха.

Я рисую только те вещи, что глубоко затрагивают мою сущность, зачем стараться и тратить так много времени и усилий на детали, если я не увлечена всем сердцем? Я хочу, чтобы моя работа выходила из меня, была настолько личной, что выходит за пределы себя и в состоянии затронуть других людей. Я стараюсь быть максимально честной с самой собой, чтобы видеть правду. Это походит на археологические раскопки - я ежедневно рою глубоко внутрь себя.

Я всегда завидовала отношению мексиканской культуры к смерти. Мертвые не покидают их, ежегодно празднуют день мертвых, Семьями собираются на могилах, пируют в честь мертвецов, города украшаются скелетами и черепами. На этот праздник приезжают туристы со всех концов света, нам не свойственны подобные празднования, мы иначе относимся к смерти. Мексиканцы приняли ее, смерть органично слилась с их жизнью.

В мексиканской культуре есть смерть, в отличие от нашей. Мы все время бежим от смерти, ценим молодость и красоту, обманываем себя иллюзией, вечной жизни, мы верим, что никогда не состаримся и не исчезнем из этого мира. Смерть настигает других людей, неудачников, а мы красивые, преуспевающие, у нас впереди вечность. Отчаянные попытки сохранить молдодость - подтяжки, ботокс, мы бросаем в смерть витаминами и деньгами, но она лишь улыбается голыми черепами. Они всегда улыбаются, в этом вся шутка."

Для каждого из рисунков Липтон требуются недели или, в некоторых случаях, месяцы.

Об одном изображении она говорит: прекрасная Леди Смерть часто появляется в мексиканском народном искусстве. Это - моя была очень кропотливая работа. На кружева у меня ушла масса времени, это почти убило меня, но результат получился соответствующий стараниям.

Информация и работы взяты отсюда

Пережил блокаду Ленинграда. В 12-летнем возрасте вывезен из осаждённого города через Ладогу по «Дороге жизни».

Жил в деревне Гребло под Новгородом. После снятия блокады вернулся в Ленинград.

Занимался живописью в ИЖСА у народного художника СССР профессора Б. В. Иогансона (1951—1957).

В начале февраля 1957 года в Центральном Доме работников искусств в Москве состоялась первая выставка работ Глазунова, имевшая большой успех.

В 1977 году выставка, содержащая картину «Дороги войны» (изображение отступающей советской армии), была закрыта как «противоречащая советской идеологии». Картина была уничтожена. Впоследствии художник написал авторскую копию.

C 1978 года преподавал в МХИ.

* Автор исполненных в графически стилизованной манере произведений, посвященных русской старине (циклы «Русь», 1956, «Поле Куликово», 1980 и др.)

* Автор серии работ на темы романов Ф. М. Достоевского

* Автор живописных и графических серий на актуальные политические темы: «Чили», 1969 и 1973; «Никарагуа», 1983.

* Получил известность как «придворный художник»: создал серию портретов советских и иностранных политических и общественных деятелей, писателей, людей искусства (Сальвадор Альенде, Индира Ганди, Урхо Кекконен, Федерико Феллини, Давид Альфаро Сикейрос, Джина Лоллобриджида, Марио дель Монако, Доменико Модуньо, Иннокентий Смоктуновский, космонавт Виталий Севастьянов).

* Создал живописные панно «Вклад народов Советского Союза в мировую культуру и цивилизацию» (1980 год, здание ЮНЕСКО, Париж).

* Театральный художник (создал оформление к постановкам опер «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» Н. Римского-Корсакова в Большом театре, «Князь Игорь» А. Бородина и «Пиковая дама» П. Чайковского в Берлинской опере, к балету «Маскарад» А. Хачатуряна в Одесском оперном театре и т. п.)

* Создал интерьер советского посольства в Мадриде. Участвовал в реставрации и реконструкции зданий Московского Кремля, в том числе Большого Кремлевского Дворца. Триптих «Легенда о Великом Инквизиторе». Иллюстрации к роману Ф.М. Достоевского «Братья Карамазовы».

* В начале 1960-х годов Глазунов создал патриотический клуб «Родина», к деятельности которого были привлечены многие авторитетные люди. Клуб стал одним из первых питомников национального самосознания. Через короткое время он был ликвидирован.

* В 1970-е годы Глазунов выступил против Генерального плана реконструкции Москвы, угрожавшего практически полным разрушением исторической части города. Вместе с единомышленниками создал альбом, посвященный «старой» Москве и отражающий утраты, понесённые в результате градостроительной деятельности коммунистического руководства. Вместе с известным композитором Вячеславом Овчинниковым ему удалось собрать подписи выдающихся деятелей науки и культуры под письмом в Политбюро ЦК КПСС. Генплан был выставлен на обозрение в Манеже и раскритикован возмущенной общественностью. После чего план был отозван, а при ГлавАПУ Москвы был создан общественный совет, без санкции которого разрушения исторической застройки не могли допускаться.

* Участвовал в создании Всероссийского общества охраны памятников истории и культуры, давшего легальную возможность вести борьбу за сохранение русских архитектурных памятников.

* По инициативе Глазунова в Москве в 1987 году была создана Российская академия живописи, ваяния и зодчества, в которой ведётся обучение по специальностям «живопись», «скульптура», «реставрация и технология живописи», «архитектура», «история и теория изобразительного искусства». Глазунов является её ректором.

* Заслуженный деятель искусств РСФСР (1973).

* Народный художник СССР (1980).

* Лауреат Государственной премии РФ (1997) (за реставрацию Московского Кремля).

* Бессрочный ректор Российской академии живописи, ваяния и зодчества.

* Действительный член Академии менеджмента в образовании и культуре (1997).

* «Самый выдающийся художник XX века» по опросу ВЦИОМ (1999).

* Золотая медаль ЮНЕСКО «за выдающийся вклад в мировую культуру».

* Действительный член Российской академии художеств (2000).

Луга. Наброски. 1948

Linda Bergkvist Art Gallery

С 1996 года пишет картины исключительно при помощи компьютерной техники, на Макинтошах. Картины часто включают светящиеся либо ярко освещённые элементы. Основная тематика — астрономия, фантастические миры. Работы включают следующие основные серии: Звёздные Путешествия (Celestial Exploring), Галактический Путь (Galactic Railroad), Звёздные Сказки (Starry Tales), и Зодиак (The Zodiac).

Много работал в области астрономии, занимался иллюстрацией астрономических книг, журналов, оформлением планетариев. Несмотря на то, что его картины фантастичны, на многих из них очень чётко и по-научному правильно изображены звёзды, планеты, созвездия, астрономические явления.

23 февраля 2007 года выпустил DVD-диск Fantasy Railroad in the Stars по мотивам произведений Кендзи Миядзава о мальчике, путешествующем по Млечному Пути. Диск озвучен известным японским сэйю Хоко Кувасима.

Первое место на конкурсе «Digital Art Contest in the USA». Проводил выставки своих работ в Канаде, Южной Корее (2008).

Информация

Официальный сайт

Противоречивая природа авангардизма обозначилась в тяготении одних его направлений к формализму (победа словесной образности и символики над содержанием в поэзии и прозе, акцентация колорита, композиционной структуры и бессюжетность в живописи, атональность и какофония в музыке), а других, наоборот, - к отрицанию эстетической сути искусства и утилитаризму (слияние искусства с производством, бытом и политической публицистикой). В своих крайних формах смыкается с декадентством, модернизмом, абстрактным искусством. Талантливые представители авангардизма нач. 20 века (футуризма, имажинизма, конструктивизма и др.), которые последовательно придерживались прогрессивного мировоззрения, смогли преодолеть узкие рамки этих направлений и обогатили культуру новыми художественными ценностями.

Когда мальчику было пять лет, семья переехала в Нормандию, в Гавр. Отец хотел, чтобы Клод стал бакалейщиком и присоединился к семейному бизнесу, но сын с детства увлекался изобразительным искусством, в частности с удовольствием рисовал карикатуры. На морском побережье Нормандии Моне повстречал Эжена Будена, известного пейзажиста и одного из провозвестников импрессионизма. Буден показал юному художнику некоторые приёмы живописной работы с натуры.

В 1860 г. Моне был призван в армию и попал в Алжир, но из положенного семилетнего срока отбыл там лишь два года: он заболел тифом, и вмешательство тётушки помогло художнику демобилизоваться. Моне поступил в университет на факультет искусств, но быстро разочаровался в царившем там подходе к живописи. Покинув учебное заведение, он вскоре поступил в студию живописи, которую организовал Шарль Глейр. В студии он познакомился с такими художниками, как Огюст Ренуар и Фредерик Базиль. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов.

Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 г. («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Камилла затем стала женой художника, и у них родился сын Жан.

После начала франко-прусской войны в 1870 г. Моне уезжает в Англию, где знакомится с работами Джона Констебла и Уильяма Тёрнера. После возвращения во Францию в конце 1872 г. Моне пишет свой знаменитый пейзаж «Впечатление. Восходящее солнце» (Impression, soleil levant). Именно эта картина и дала название группе импрессионистов и целому художественному направлению. Картина была показана на первой импрессионистской выставке в 1874 г.

В начале 1920-х у Моне развивается катаракта, из-за чего ему пришлось перенести две операции. Художник скончался 5 декабря 1926 г. в Живерни и был похоронен на местном церковном кладбище.

Биография и творчество:

Галерея работ

Шедевры мировой живописи

Галерея картин Клода Моне

Импрессионизм

Казимир был первенцем в семье с 14 детьми. Рисовать начал учиться самостоятельно, после того, как в возрасте 15 лет мать подарила ему набор красок. В возрасте 17 лет некоторое время провёл в Киевской художественной школе Н. И. Мурашко.

В 1896 году семья Малевичей обосновалась в Курске. Там Казимир работал мелким чиновником, но бросил службу ради карьеры художника. Первые работы Малевича написаны в стиле импрессионизма. Позже Малевич стал одним из активных участников футуристических выставок. В 1913 году оформлял футуристическую оперу «Победа над Солнцем».

В 1919—1922 годах Казимир Малевич преподавал в Народной художественной школе «нового революционного образца» в Витебске. В 20-е годы участвовал в оформлении спектаклей В. В. Маяковского «Мистерия-Буфф».

С 1923 по 1927 год — директор Ленинградского государственного института художественной культуры. Был членом «Объединения современных архитекторов» (ОСА).

В 1930 году произведения художника экспонируются на выставках в Берлине и Вене. Осенью того же года Малевич был арестован НКВД как «германский шпион». В тюрьме он пробыл до декабря года. Под арестом на долгие годы в СССР оказались его картины.

Малевич был последовательным пропагандистом собственной теории. Вокруг него со временем образовалась группа единомышленников УНОВИС (Утвердители нового искусства). Творения русских художников-авангардистов начала века взорвали устаревшее прозападное визуальное сознание.

Входил в группу молодых художников Ослиный хвост.

Самое знаменитое живописное произведение Малевича Чёрный квадрат (1915), которое явилось своеобразным живописным манифестом супрематизма. Мистическим дополнением к картине служат «Чёрный круг» и «Чёрный крест».

По завещанию, после смерти тело Малевича было кремировано в супрематическом гробу, а затем урна была захоронена под любимым дубом художника близ деревни Немчиновки. Над могилой был установлен кубический бетонный монумент с изображённым чёрным квадратом. В годы войны могила была утрачена.

В настоящее время её местонахождение было установлено энтузиастами с достаточной точностью. Могила находится недалеко от Советского проспекта в Немчиновке, восточнее пруда. На месте могилы установлен небольшой монумент.

Изобразительное искусство

Русская живопись

Клуб К. Малевича

Казимир Малевич. Галерея картин

Я лично обожаю "Черный Квадрат"... Просто цвет, глядя на который думать можно обо всем и ни о чем сразу.

Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Ренессанса, но и на всю дальнейшую мировую культуру. Деятельность его связана в основном с двумя итальянскими городами — Флоренцией и Римом. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов. Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид» (1501—1504), ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела, в Риме — скульптурную композицию «Пьета» (1498—1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором цвета и формы. По заказу папы Юлия II он выполнил роспись потолка Сикстинской капеллы (1508—1512), представляющую библейскую историю от сотворения мира до потопа и включающую более 300 фигур. В 1534—1541 в той же Сикстинской капелле для папы Льва X исполнил грандиозную, полную драматизма фреску «Страшный суд». Поражают своей красотой и величием архитектурные работы Микеланджело — ансамбль площади Капитолия и Собор св. Петра в Риме.

Мир Микеланджело в отличие от его современников — Леонардо да Винчи и Рафаэлем с их миром гармонии — разнообразен и противоречив. Трудности жизни оказали огромное влияние на его многосторонние восприятие жизни: трагическое осознание несовершенства бытия и вера в гармонию мироздания, одиночество человека и радость его победы в борьбе со стихиями.

В 2007 году в архивах Ватикана была найдена последняя работа Микеланджело — зарисовка одной из деталей купола базилики Святого Петра. Рисунок, выполненный красным мелом, представляет собой «изображение детали одной из радиальных колонн, составляющих барабан купола собора Святого Петра в Риме». Считается, что это последняя работа знаменитого художника, выполненная незадолго до его смерти в 1564 г.

Это далеко не первый случай, когда работы Микеланджело находят в архивах и музеях. Так, в 2002 г. в запасниках Национального музея дизайна в Нью-Йорке случайно был найден другой рисунок мастера. Он находился среди полотен неизвестных авторов эпохи Возрождения. На листе бумаги размером 45Ч25 см художник изобразил менору — подсвечник для семи свечей.

Микеланджело Буонаротти.

Я помыслами в вечность устремлен

Michelangelo Buonarroti

Отец Киттельсена Юханнес умер, когда Теодору было 11 лет, и с его смертью материальное положение семьи резко ухудшилось. По этой причине Теодору рано пришлось зарабатывать на жизнь — он начал работать помощником часовщика в Крагерё. Уже тогда его рисунки вызывали интерес и восхищение земляков. Среди них нашлись те, кто подговорил Теодора отправиться в Кристианию — тогдашнюю столицу Норвегии — и помог ему деньгами на поездку. Там Киттельсен поработал учеником маляра, но работа оказалась слишком тяжёлой и совсем не той, которой он ожидал, и Теодор уехал обратно домой, решив стать моряком. Бродя по берегу, он с надеждой засматривался на пароходы, но больше его взгляд привлекала красота природы родных мест, к которой он с детских лет чувствовал особую привязанность. И вот в один прекрасный день Киттельсен окончательно решил во что бы то ни стало сделаться художником.

Однако сначала ему опять пришлось поработать учеником часовщика — на сей раз в городе Арендале. Его хозяин, немец по фамилии Штейн, хорошо относился к ученику и говорил, что из него никогда не выйдет часовщика, но может выйти художник. Он даже попросил у Теодора его рисунки, и однажды торжественно сообщил мальчику: на его художества обратил внимание Дидрих Мария Ол — человек состоятельный и знавший толк в искусстве. Он пригласил Киттельсена к себе домой, долго беседовал с ним, повторяя, что путь художника — один из самых трудных, и, убедившись в непреклонности намерений юноши, объявил, что Теодор может отправляться в школу искусств в Кристианию. О плате за его обучение Ол уже позаботился.

В Кристиании Киттельсен становится учеником в художественной школе Вильхельма фон Ханно, одновременно посещая занятия в классе Юлиуса Миддельтуна.

После двухлетнего обучения у фон Ханно Ол предоставил Киттельсену финансовую поддержку, чтобы тот смог продолжить обучение в Мюнхене. Первые два или три года были для художника счастливым периодом. Он учился и работал, а в свободное время посещал местные таверны, живя весёлой студенческой жизнью в обществе земляков — Эрика Вереншёлля, Герхарда Мюнте и других. Но после трёх лет обучения начались трудные времена — с того момента, когда Ол больше не мог оказывать финансовую поддержку своему протеже. Киттельсен жил скудными доходами от своих картин и рисунков, обходился самыми дешёвыми продуктами и погряз в долгах. Тем не менее, в Мюнхене он создаёт свои первые значительные работы, в частности, картину «Стачка» (Streik, 1879), выполненную в критико-реалистической манере и не имеющую почти ничего общего со зрелым творчеством художника. В то же время, Киттельсен осознаёт себя скорее как иллюстратор, нежели чем автор больших полотен. Уже в первый период пребывания в Мюнхене он увлекается такими жанрами, как карикатура и анималистика, тем самым прокладывая дорогу к зрелому творчеству.

Далее Киттельсена ждало возвращение на родину, где он прожил два года, отслужил воинскую повинность, после чего, получив стипендию, отправился в Париж. Культурная столица Европы встретила художника очень неприветливо, и он в 1883 году вновь оказывается в Мюнхене. Киттельсен работает не покладая рук, и его рисунки пользуются успехом, но нужда не оставляет художника.

В 1887 году с помощью норвежских друзей он возвращается на родину, теперь уже навсегда. В родном городе он поселяется у сестры и её мужа, которые держат стекольный магазин, но вскоре он закрывается, и зятю художника предлагают работу смотрителем маяка на Лофотенах. Киттельсен вместе с ними едет туда. Два года, проведённые на острове Скомвар, лказываются очень плодотворными для художника. Впечатления от местной природы захватили его с головой. Он создаёт несколько серий рисунков, которые впоследствии выходят отдельными книгами: «Жизнь в стеснённых обстоятельствах» (Fra Livet i de smaa Forholde, 1890), «С Лофотенских островов» (Fra Lofoten, 1890-1891) и «Колдовство» (Troldskab, 1892). Это были первые книги, целиком созданные Киттельсеном. Помимо рисунков, он публикует в них тексты, обнаруживая незаурядный писательский талант.

В 1889 году в жизни художника происходит поворотное событие: он встречает девушку по имени Инга Кристине Дал. Их скорый брак оказался счастливым, и у них родились девять детей. Прокормить такое большое семейство было очень нелегко, особенно художнику. Несмотря на постоянные материальные трудности, Инга до конца жизни была опорой семье и поддержкой своему мужу, помогая ему как по дому, так и в организации выставок.

В 1890-е гг. Киттельсен выпускает целый ряд книг, самой значительной из которых считается ”Чёрная Смерть” (Svartedauen). В ней художник воспроизвёл самый драматичный период истории страны, когда под угрозой оказалось само существование норвежцев как нации.

Образ главной героини — самой Чумы, с метлой и граблями опустошающей города и сёла — был навеян не только фольклором, но и реальными обстоятельствами жизни Киттельсена. В доме в Скатей, недалеко от тех мест, где родился художник, ему повстречалась старуха, столь же безобразная внешне, сколь и мерзкая по характеру. В округе её так и звали «Чума»:”Она была маленькая и сгорбленная, лицо её было зеленовато-жёлтое с чёрными пятнами. Глаза её смотрели искоса, тёмные и беспокойные, глазницы глубоко вдавались в череп. Время от времени странный, зловещий свет вспыхивал в них, и они начинали быстро сверкать сразу во все стороны, так что было невозможно поймать её взгляд. Голова ее тряслась вверх-вниз, рот рывками двигался при разговоре — остро, ожесточённо. Она была хуже, чем сама чума, подумалось мне, и я взял её имя, чтобы назвать им Чёрную Смерть”.

”Чёрная Смерть” — это пятнадцать поэм с иллюстрациями, в большинстве своём целиком созданные самим Киттельсеном. Самые потрясающие из них — ”Чума идёт”, ”Осенний вечер”, в которых он достиг при удивительной стилистической простоте потрясающего эффекта восприятия. ”Чума на Лестнице” — кульминация ”Чёрной Смерти”, где странная, головокружительная перспектива рисунка необычайно усиливают исходящее от него ощущение ужаса. И в плане темы, и в манере исполнения этот рисунок занимает особенное место во всём творчестве Киттельсена.

Из других книг Киттельсена следует отметить цикл «Есть ли душа у животных?» (Har Dyrene Sjжl?, 1893-94), продолжающий сатирическую линию в творчестве художника. Жабы, лягушки, птицы, насекомые изображены здесь в ситуациях, весьма характерных для человеческой жизни: праздники, пирушки, сватовства, детские игры — и сами служат гротескными иллюстрациями свойств и типов человеческого характера.

Цикл «Тиририль Тове» (Tirilil Tove) погружает нас в мир природных таинств. Зоркий глаз художника, всматриваясь в, казалось бы, обыкновенные пни, деревья и корни, видит в них пугающие и завораживающие образы лесных и горных обитателей. Грань между реальным и фантастическим практически невидима.

Книга «Люди и тролли, воспоминания и грёзы. Автобиография» (Folk og Trold, minder og drшmme. Selvbiografi, 1911) повествует о жизни Киттельсена, рассказанной им самим — начиная с детских лет и заканчивая годами зрелости. Помимо увлекательного повествования, книга включает множество рисунков, в том числе детских и юношеских.

В 1908 году за свою деятельность художник был награждён рыцарским орденом Святого Олава — высшей государственной наградой Норвегии. Несмотря на успех и признание, Киттельсен по-прежнему испытывает материальные трудности, и последние годы его жизни оказываются безрадостными. В 1910 году местный банк отказал семейству Киттельсенов в поддержке, и они с болью в сердце вынуждены были продать свой дом в Лаувлиа — дом, где каждая половица была пропитана их духом, духом Искусства. Последние годы художник и его семья жили сначала в пригороде Осло, а затем в местечке Йелойа (Мосс). Несмотря на одолевавшую его болезнь и тяжкое сознание того, что он не в силах прокормить свою семью, Киттельсен работал до последних дней.