Чёрная Леди

Истархов "Удар русских богов"

Иван Константинович Айвазовский 1817—1900) — всемирно известный российский художник-маринист армянского происхождения, коллекционер. Брат армянского историка, священника Габриэла Айвазовского. Ованес (Иван Константинович) Айвазовский родился в семье купца Константина (Геворга) и Репсиме Гайвазовских. После переселения в Феодосию Константин Гайвазовский женился на местной армянке Репсиме. Первоначально торговые дела Гайвазовского шли успешно, но во время эпидемии чумы 1812 г. он разорился. Поэтому детство художника проходило в бедности, однако благодаря его таланту он был зачислен в симферопольскую гимназию, а затем и в Академию художеств Санкт-Петербурга; учился у М. Н. Воробьева и Ф. Таннера, а также и у В. Е. Раева. В дальнейшем, получая пенсию Академии художеств, жил в Крыму (1838-40) и Италии (1840—44), посетил Англию, Испанию, Германию, позже путешествовал по России, Ближнему Востоку, Африке, Америке. В 1839 году по приглашению начальника кавказской прибрежной линии генерала Н. Н. Раевского написал «Десант отряда в долине Субаши». Картину приобрёл император Николай I. В 1844 году стал живописцем Главного морского штаба, а с 1847 — профессором Петербургской Академии художеств; состоял также в европейских академиях: Рима, Флоренции, Амстердама и Штутгарта. Иван Константинович Айвазовский писал в основном морские пейзажи; создал серии портретов крымских побережных городов. Его карьера была очень успешной. В общей сложности художник написал больше 6 тысяч работ. С 1845 жил в Феодосии, где на заработанные деньги открыл школу искусств, ставшую впоследствии одним из художественных центров Новороссии, и галерею (1880), стал основоположником Киммерийской школы живописи, был инициатором строительства железной дороги «Феодосия — Джанкой», построенной в 1892 г. Интересовался археологией, занимался вопросами охраны памятников Крыма, принимал участие в исследовании более 80 курганов (часть найденных предметов хранится в кладовой Эрмитажа). На свои средства построил новое здание для Феодосийского музея древностей с мемориалом П. С. Котляревского; за заслуги перед археологией избран действительным членом Одесского общества истории и древностей. По его завещанию картинная галерея перешла в дар Феодосии. В основанной им Феодосийской картинной галерее, ныне носящей его имя, полнее всего представлено творчество великого мастера. Архив документов Айвазовского хранится в Российском государственном архиве литературы и искусства, Государственной публичной библиотеке им. М. Е. Салтыкова-Щедрина (Санкт-Петербург), Государственной Третьяковской галерее, Государственном центральном театральном музее им. А. А. Бахрушина. Скончался Айвазовский во время работы над картиной «Взрыв турецкого корабля». Айвазовский похоронен в Феодосии, в ограде средневековой армянской церкви Сурб Саркиса. На мраморном надгробии в форме саркофага надпись на древнеармянском из Мовсеса Хоренаци: «Рожденный смертным, оставил по себе бессмертную память». Биография и творчество: Русские художники. Иван Константинович Айвазовский Русская живопись. Айвазовский

Читала и считаю подобное - пустой тратой времени. Это даже для начального этапа ничего не даст.

Люблю старую добрую советскую фантастику и вот мои любимые писатели... Абра́мов, Алекса́ндр Ива́нович (1900, Москва — 1985, Москва) — советский писатель-фантаст, киносценарист, журналист, театральный критик. Окончил Институт иностранных языков и Литературный институт им. В. Я. Брюсова (оба в Москве). Работал в редакциях журнала «Интернациональная литература», «Театр», в газете «Вечерняя Москва». Член Союза писателей СССР. В научной фантастике дебютировал повестью «Гибель шахмат» (1926). Вновь вернулся к фантастике только через 30 лет, опубликовав все последующие фантастические произведения в соавторстве с сыном Сергеем Абрамовым. Сын писателя А. Абрамова. Окончил факультет гражданской авиации Московского автодорожного института, работал мастером на строительстве аэропорта Домодедово, был оставлен на кафедре института. Работал в журнале «Смена» и газете «Правда». Долгое время возглавлял Совет по фантастастической и приключенческой литературе при правлении СП РСФСР. В 1988 году создал и до начала 1990-х возглавлял еженедельную газету «Семья». С конца 1980-х годов занимался бизнесом в области книгоиздания, массмедиа, торговли, в 1990-х — вопросами корпоративного строительства и инвестиционной политики в ряде банковских и инвестиционных структур. С 1997 года — первый зампред Комитета по телекоммуникациям и СМИ правительства Москвы. С 2000 года — первый заместитель начальника Главного управления внутренней политики Администрации Президента Российской Федерации. В 2001—2004 годах — секретарь президентских Советов по культуре и искусству, по науке, технологиям и образованию, а также по спорту. С 2004 года — председатель наблюдательного совета и партнер инвестиционной компании «Беринг Восток Кэпитал Партнерс». Постоянный эксперт-консультант общественной организации «Мегапроект», член Всероссийской общественной организации «Лига здоровья нации», член генерального и координационного советов общественной организации «Деловая Россия». Печататься начал с 1961 года. Ранние произведения, написанные в соавторстве с А. Абрамовым представляют собой типичные образцы твёрдой научной фантастики. Наиболее известна трилогия С. и А. Абрамовых «Всадники ниоткуда» (1967), «Рай без памяти» (1968), «Серебряный вариант» (1978 — «Время против времени»; доп. 1978) представителях чужой цивилизации, которые исследуют Землю. Первые самостоятельные произв С. Абрамова — роман «Канатоходцы» (1972) и повесть «Волчок для Гулливера» (1973), также выдержаны в традиционном ключе научной фантастики. В более поздних произведениях постепенно отошёл от традиционных канонов жанра, переходя к приёмам, свойственным современной сказке и фэнтэзи. * (С А. Абрамовым) Новый Алладин: Отр. из Ф повести // ЗС, 1966. № 11. * (С А. Абрамовым) Четыре цвета памяти // ЮТ, 1967. № 7-8. * (С А. Абрамовым) Рай без памяти // Смена, 1968. № 11-17. * (С А. Абрамовым) Джинн из лазури // Смена, 1970. № 13-18. * (С А. Абрамовым) Очень большая глубина //Только один старт: Ф рассказы и повести. — Свердловск: СУКИ, 1971. * (С А. Абрамовым) Огневки: Ф рассказ // На суше и на море, 1972 — М.: Мысль, 1972. * Большие чудеса в маленьком городе//Смена,1973. № 1. * Канатоходцы: Ф роман //Смена, 1973. № 5-13. * Волчок для Гулливера//Наша жизнь, 1973. № 9; 1974. № 1. * В лесу прифронтовом: Ф повесть // Искатель, 1974. № 5. * Время его учеников: Ф повесть // Искатель, 1977. № 1. * Рыжий, красный, человек опасный: Повесть-сказка // Уральский Следопыт, 1979. № 11-12. * Двое под одним зонтом//Октябрь, 1980. № 12. * Мелодия раннего утра: Маленькая повесть // Октябрь, 1982. № 2. * Странники: Юношеская фантазия // Юность, 1982. № 11. * Требуется чудо: Маленькая повесть //Октябрь, 1983. № 4. * Ряд волшебных изменений милого лица//Октябрь, 1984. № 7. * Как хорошо быть генералом//Знамя, 1985. № 12. * Новое платье короля//Октябрь, 1986. № 7. * Неформашки: Фантасмагория//Юность, 1988. № 1-3. * Стоп-кран: Театральная фантасмагория//Октябрь, 1989. № 12. * Стена. Повести, М., «Детская литература», 1990 * Он уже с нами//Публикатор (Хабаровск), 1990. № 3. * Время его учеников: Повесть // Третья мировая война: Сб. военной Ф. — М.: Патриот, 1992.

Да ничего не вынуждает, такое по-пьяни чаще бывает. Или вы об абортах? ну тут ситуации разные бывают, не нам судить хорошо это или плохо.

Ну уж точно никакого черного, не хочу чтоб квартира на гроб стала похожа. А так побольше хайтека, чего-то светло-серого, а особенно красного! И уж точно из предметов никаких напоминаний о чем-либо религиозном... Никаких пентаграмм и алтарей...

Я стараюсь о таком не думать вообще. Мысли материальны, а потому не стоит ничего прогнозировать.

Илья Сергеевич Глазунов — народный художник СССР, академик Российской академии художеств, лауреат Государственной премии Российской Федерации, ректор Российской академии живописи, ваяния и зодчества. Родился 10 июня 1930 года в Ленинграде. Отец — Глазунов Сергей Федорович, историк. Мать — Глазунова Ольга Константиновна. Пережил блокаду Ленинграда. В 12-летнем возрасте вывезен из осаждённого города через Ладогу по «Дороге жизни». Жил в деревне Гребло под Новгородом. После снятия блокады вернулся в Ленинград. Занимался живописью в ИЖСА у народного художника СССР профессора Б. В. Иогансона (1951—1957). В начале февраля 1957 года в Центральном Доме работников искусств в Москве состоялась первая выставка работ Глазунова, имевшая большой успех. В 1977 году выставка, содержащая картину «Дороги войны» (изображение отступающей советской армии), была закрыта как «противоречащая советской идеологии». Картина была уничтожена. Впоследствии художник написал авторскую копию. C 1978 года преподавал в МХИ. * Автор исполненных в графически стилизованной манере произведений, посвященных русской старине (циклы «Русь», 1956, «Поле Куликово», 1980 и др.) * Автор серии работ на темы романов Ф. М. Достоевского * Автор живописных и графических серий на актуальные политические темы: «Чили», 1969 и 1973; «Никарагуа», 1983. * Получил известность как «придворный художник»: создал серию портретов советских и иностранных политических и общественных деятелей, писателей, людей искусства (Сальвадор Альенде, Индира Ганди, Урхо Кекконен, Федерико Феллини, Давид Альфаро Сикейрос, Джина Лоллобриджида, Марио дель Монако, Доменико Модуньо, Иннокентий Смоктуновский, космонавт Виталий Севастьянов). * Создал живописные панно «Вклад народов Советского Союза в мировую культуру и цивилизацию» (1980 год, здание ЮНЕСКО, Париж). * Театральный художник (создал оформление к постановкам опер «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» Н. Римского-Корсакова в Большом театре, «Князь Игорь» А. Бородина и «Пиковая дама» П. Чайковского в Берлинской опере, к балету «Маскарад» А. Хачатуряна в Одесском оперном театре и т. п.) * Создал интерьер советского посольства в Мадриде. Участвовал в реставрации и реконструкции зданий Московского Кремля, в том числе Большого Кремлевского Дворца. Триптих «Легенда о Великом Инквизиторе». Иллюстрации к роману Ф.М. Достоевского «Братья Карамазовы». * В начале 1960-х годов Глазунов создал патриотический клуб «Родина», к деятельности которого были привлечены многие авторитетные люди. Клуб стал одним из первых питомников национального самосознания. Через короткое время он был ликвидирован. * В 1970-е годы Глазунов выступил против Генерального плана реконструкции Москвы, угрожавшего практически полным разрушением исторической части города. Вместе с единомышленниками создал альбом, посвященный «старой» Москве и отражающий утраты, понесённые в результате градостроительной деятельности коммунистического руководства. Вместе с известным композитором Вячеславом Овчинниковым ему удалось собрать подписи выдающихся деятелей науки и культуры под письмом в Политбюро ЦК КПСС. Генплан был выставлен на обозрение в Манеже и раскритикован возмущенной общественностью. После чего план был отозван, а при ГлавАПУ Москвы был создан общественный совет, без санкции которого разрушения исторической застройки не могли допускаться. * Участвовал в создании Всероссийского общества охраны памятников истории и культуры, давшего легальную возможность вести борьбу за сохранение русских архитектурных памятников. * По инициативе Глазунова в Москве в 1987 году была создана Российская академия живописи, ваяния и зодчества, в которой ведётся обучение по специальностям «живопись», «скульптура», «реставрация и технология живописи», «архитектура», «история и теория изобразительного искусства». Глазунов является её ректором. * Заслуженный деятель искусств РСФСР (1973). * Народный художник СССР (1980). * Лауреат Государственной премии РФ (1997) (за реставрацию Московского Кремля). * Бессрочный ректор Российской академии живописи, ваяния и зодчества. * Действительный член Академии менеджмента в образовании и культуре (1997). * «Самый выдающийся художник XX века» по опросу ВЦИОМ (1999). * Золотая медаль ЮНЕСКО «за выдающийся вклад в мировую культуру». * Действительный член Российской академии художеств (2000). Луга. Наброски. 1948

Я Анастасию читала и Олесю тоже... Именно, что плагиат. Читать Анастасию было интересно, но в целом впечатление, как после прочтения хорошей сказки. Имхо, автор а уста героини вложил какие-то свои немного детские идеалы и фантазии...

Красивые у вас фотографии, умеете красиво сфотографировать

У меня есть предложение сделать подраздел современной компьютерной живописи. Здесь много информации о художниках как бы классических, а я вот больше интересуюсь компьютерной графикой и мне по душе работы, сделанные планшетом и именно в стиле фентези. В общем, думаю понятно что именно я предлагаю, а вот и работы художницы. Linda Bergkvist Art Gallery

Сорри, если чуть не в тему, но просто есть мысль и хотелось бы ею поделиться. А избыток света оказывается тоже очень плохо... Люди, далекие от нашего мировоззрения, сами того не замечая, тянутся к тьме. Причем к Тьме во всех ее мыслимых и немыслимых проявлениях.

Для меня крест был и будет всего лишь символом позорной казни, а в религиозном смысле для меня он ничего не значит.

Виктория Франсез - испанский иллюстратор, родилась в Валенсии. Окончила Universidad de Bellas Artes в Испании. В ее работах чувствуется сильное влияние готики: призрачные женщины в длинных платьях, вампиры, кладбища - наиболее общие черты ее произведений. Художница считает, что на ее творчество оказали огромное влияние произведения писателей Эдгара По, Анны Райс, Х.П.Лавкрафта и работы художников Луиса Ройо (Luis Royo) и Брома (Brom). Она иллюстрировала несколько книг, ею создано так же и немало постеров. Первая книга Франсез "Favole" была выпущена в апреле 2003 и имела определенный успех. После чего художница возвратилась в Universidad Bellas de Bellas Artes, чтобы продолжить изучать искусство живописи. Ее первый официальный выход в свет состоялся на 22-ой Annual Comic Fair в Барселоне в марте 2004. За последнее время были выпущены другие книги художницы. Еще одна "Favole", как ожидается, скоро завершит трилогию.

Ютака Кагайя (род. в 1968 году, Сайтама, Япония) — японский художник, один из родоначальников и мастер цифровой живописи, известный своими изысканно-романтическими, яркими фэнтэзи-картинами. С 1996 года пишет картины исключительно при помощи компьютерной техники, на Макинтошах. Картины часто включают светящиеся либо ярко освещённые элементы. Основная тематика — астрономия, фантастические миры. Работы включают следующие основные серии: Звёздные Путешествия (Celestial Exploring), Галактический Путь (Galactic Railroad), Звёздные Сказки (Starry Tales), и Зодиак (The Zodiac). Много работал в области астрономии, занимался иллюстрацией астрономических книг, журналов, оформлением планетариев. Несмотря на то, что его картины фантастичны, на многих из них очень чётко и по-научному правильно изображены звёзды, планеты, созвездия, астрономические явления. 23 февраля 2007 года выпустил DVD-диск Fantasy Railroad in the Stars по мотивам произведений Кендзи Миядзава о мальчике, путешествующем по Млечному Пути. Диск озвучен известным японским сэйю Хоко Кувасима. Первое место на конкурсе «Digital Art Contest in the USA». Проводил выставки своих работ в Канаде, Южной Корее (2008). Информация Официальный сайт

Да, уж придется самой заняться выкладыванием серьезной инфы, если когдато получу доступ к другим разделам.

Нигилизм (от лат. nihil — «ничего») — философская позиция, которая ставит под сомнение общепринятые ценности, идеалы, моральные нормы, культуру, все формы общественной и государственной жизни. Нигилисты придерживаются некоторым или всем из следующих утверждений:

Вот и я тоже - потрясающее сочетание эротики и фентези.

Книга, изменившая мои взгляды на многие вещи, как ни странно, произведение советсткой фантастики - "Фаэты" А. Казанцева...

Что значит собственную? А когда выходите замуж, то родители уже сразу чужие люди?? Я понимаю, что вы так написали, чтоб вас поняли, но коробят такие слова - от многих их слышу.

Ренессанс (Возрождение) (Renaissance), эпоха интеллектуального и художественного расцвета, который начался в Италии в 14 веке, достигнув пика в 16 веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру. Термин "Возрождение", означавший возврат к ценностям античного мира (хотя интерес к римской классике возник ещё в 12 веке), появился в 15 веке и получил теоретическое обоснование в 16 веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов и зодчих. В это время сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. Среди выдающихся представителей этой эпохи - художник Альберти; архитектор, художник, учёный, поэт и математик Леонардо да Винчи. Архитектор Брунеллески, новаторски используя эллинистические традиции, создал несколько зданий, не уступавших по красоте лучшим античным образцам. Очень интересны работы Браманте, которого современники считали самым талантливым архитектором Высокого Возрождения, и Палладио, создавших крупные архитектурные ансамбли, отличавшиеся цельностью художественного замысла и разнообразием композиционных решений. Здания театров и декорации сооружались на основе архитектурных работ Витрувия (около 15 г. до н.э.) в соответствии с принципами римского театра. Драматурги следовали строгим классическим канонам. Зрительный зал, как правило, напоминал по форме конскую подкову, перед ним находилось возвышение с авансценой, отделявшейся от основного пространства аркой. Это и было принято за образец театрального здания для всего западного мира на следующие пять столетий. Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили традиционные религиозные сюжеты земным содержанием (Никола Пизано, конец 14 века; Донателло, начало 15 века). Реалистическое изображение человека стало главной целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют творения Джотто и Мазаччо. Изобретение способа передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности. Одной из главных тем живописных произведений Ренессанса (Жильбер, Микеланджело) были трагическая непримиримость конфликтов, борьба и гибель героя. Около 1425 г. Флоренция стала центром Ренессанса (флорентийское искусство), но к началу 16 века - Высокое Возрождение - ведущее место заняли Венеция (венецианское искусство) и Рим. Культурными центрами являлись дворы герцогов Мантуи, Урбино и Феррады. Главными меценатами были Медичи и римские папы, особенно Юлий II и Лев Х. Крупнейшими представителями "северного Ренессанса" были Дюрер, Кранах Старший, Хольбейн. Северные художники в основном подражали лучшим итальянским образцам, и только немногие, например Ян ван Скорел, сумели создать свой стиль, который отличался особой элегантностью и грацией, - маньеризм.

Маньеризм (Mannerism, итал. maniera - стиль, манера), термин, употребительный в теории изобразительного искусства. Стал популярным благодаря художнику и биографу 16 века Вазари, который характеризовал им высокую степень грациозности, уравновешенности и утончённости в искусстве. Однако с 17 века большинство критиков, полагая, что итальянское искусство 2-й половины 16 века переживало упадок по сравнению с вершинами, достигнутыми в период Высокого Возрождения (Ренессанс) Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем, термин "Маньеризм" относили к искусству, которому свойственны метафорическая насыщенность, пристрастие к гиперболе и гротеску. В результате Маньеризм стали называть стиль, воспринятый школами итальянского искусства, прежде всего римскими, в период между эпохами Высокого Возрождения и Барокко (около 1520- около 1600 гг.). О Маньеризме принято говорить начиная с Рафаэля, когда он отказался от предельно ясных и уравновешенных средств выражения, свойственных Высокому Возрождению, и начал работать в более изощрённой манере. Для Маньеризма характерны удлинённость фигур, напряжённость поз (контрапост), необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, и яркие цвета. В ваянии провозвестником Маньеризма был Джамболонья, в искусстве которого, оказавшем огромное влияние на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и элегантностью форм. К ведущим скульптурам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини. Маньеризм в архитектуре также трудноопределим, как в живописи и скульптуре, но часто подразумевает осознанное презрение к установленным правилам и классическим традициям. За пределами Италии маньеристами иногда называют представителей школы Фонтенбло во Франции, нидерландских художников16 века (многие из них восприняли идеи Маньеризма, побывав в Италии) и Эль Греко в Испании. В литературе и музыке термин "Маньеризм" применяется ещё шире, чем в изобразительном искусстве и архитектуре. Так, "маньеристскими" именуют литературные произведения, которым свойственна витиеватость слога, усложнённый синтаксис и использование причудливо-фантастических образов. Наиболее известный пример - двухтомный роман "Эвфуэс" (1578-1580 гг.) Джона Лили, породивший термин "эвфуизм", означавший в высшей степени искусственный и вычурный стиль. В музыке "маньеристским" считается, например, творчество итальянского композитора, автора мадригалов Карло Джезуальдо ди Веноза, чьи произведения отличаются необычной гармонией, внезапной сменой темпа и яркой экспрессией.

Барокко искусство (Baroque art.), стиль европейского искусства и архитектуры 17-18 веков. В разное время в термин "барокко" вкладывалось разное содержание. Поначалу он носил оскорбительный оттенок, подразумевая нелепицу, абсурд (возможно, он восходит к португальскому слову, означающему уродливую жемчужину). В настоящее время он употребителен в искусствоведческих трудах для определения стиля, господствовавшего в европейском искусстве между маньеризмом и рококо, то есть приблизительно с 1600 г. до начала 18 века. От маньеризма Барокко искусство унаследовало динамичность и глубокую эмоциональность, а от Ренессанса - основательность и пышность: черты обоих стилей гармонично слились в одно единое целое. Самые характерные черты Барокко - броская цветистость и динамичность - соответствовали самоуверенности и апломбу вновь обретшей силу римской католической церкви. За пределами Италии стиль Барокко пустил самые глубокие корни в католических странах, а, например, в Британии его влияние было незначительным. У истоков традиции Барокко искусства в живописи стоят два великих итальянских художника - Караваджо и Аннибале Карраччи, создавшие самые значительные работы в последнее десятилетие 16 века - первое десятилетие 17 века. Для итальянской живописи конца 16 века характерны неестественность и стилевая неопределённость. Караваджо и Карраччи своим искусством вернули ей цельность и выразительность. В итальянской архитектуре самым видным представителем Барокко искусства был Карло Мадерна (1556-1629 гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение - фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.). Основной фигурой в развитие барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620 г. Квинтэссенцией барокко, впечатляющим слиянием живописи, скульптуры и архитектуры считается капелла Коранаро в церкви Санта-Мария делла Виктория (1645-1652 гг.). Самыми видными итальянскими современниками Бернини в этот период зрелого барокко были архитектор Борромини и художник, и архитектор Пьетро да Кортона. Несколько позднее творил Андреа дель Поццо (1642-1709 гг.); расписанный им плафон в церкви Сант-Иньяцио в Риме (Апофеоз св. Игнатия Лойолы) является кульминацией тенденции барокко к помпезному великолепию. В 17 веке Рим был столицей мира в области искусства, привлекал художников всей Европы, и Барокко искусство скоро распространилось за пределы "вечного города". В каждой стране Барокко искусство подпитывалось местными традициями. В одних странах оно становилось более экстравагантным, как, например, в Испании и Латинской Америке, где развился стиль архитектурного украшательства, названный чурригереско; в других приглушалось в угоду более консервативным вкусам. В католической Фландрии Барокко искусство расцвело в творчестве Рубенса, на протестантскую Голландию оно оказало не столь заметное влияние. Правда, зрелые работы Рембрандта, чрезвычайно живые и динамичные, явно отмечены влиянием Барокко искусства. Во Франции оно ярче всего выразило себя на службе монархии, а не церкви. Людовик XIV понимал важность искусства как средства прославления королевской власти. Его советником в этой области был Шарль Лебрен, который руководил художниками и декораторами, работавшими во дворце Людовика в Версале. Версаль с его грандиозным сочетанием пышной архитектуры, скульптуры, живописи, декоративного и ландшафтного искусства явил собой один из самых впечатляющих примеров слияния искусств. Барокко искусство способствовало созданию театральных эффектов, достигавшихся освещением, ложной перспективой и эффектными сценическими декорациями. Однако оно мало отвечало сдержанному британскому вкусу. В английской архитектуре влияние барокко было заметно лишь в начале 18 века в своеобразном творчестве Ванбру и Хоксмора. К этому стилю приближаются некоторые из более поздних работ Рена. Тяга Барокко искусства к масштабности чувствуется в величественных проектах собора Св. Павла (1675-1710 гг.) и Гринвичского госпиталя (начало 1696 г.). Барокко сменилось более спокойным палладианством. Во всех видах искусств барокко слилось с более легковесным стилем рококо. Это слияние было весьма плодотворным в Центральной Европе, особенно в Дрездене, Вене и Праге.

Рококо (Rococo), стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века и распространившийся по всей Европе. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, Рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. С барочным стилем Рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то Рококо предпочитает изящество и лёгкость. Более тёмные цвета и пышная, тяжёлая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами - розовыми, голубыми, зелёными, с большим количеством белых деталей. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность; само название происходит от сочетания двух слов: "барокко" и "рокайль" (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов). Для живописи, скульптуры и графики характерны эротические, эротико-мифологические и пасторальные (пастораль) сюжеты. Первым значительным мастером живописи в стиле Рококо стал Ватто, а дальнейшее развитие он получил в творчестве таких художников, как Буше и Фрагонар. Самым ярким представителем этого стиля во французской скульптуре является, пожалуй, Фальконе, хотя в его творчестве преобладали рельефы и статуи, предназначенные для украшения интерьеров, бюсты, в том числе из терракоты. Кстати, сам Фальконе был управляющим знаменитой Севрской фарфоровой мануфактуры. (Замечательными фарфоровыми изделиями славились также заводы в Челси и Мейсене). В архитектуре этот стиль нашёл наиболее яркое выражение в декоративном украшении интерьеров. Сложнейшие асимметричные резные и лепные узоры, затейливые завитки внутреннего убранства контрастировали с относительно строгим внешним видом зданий, например Малый Трианон, выстроенный в Версале зодчим Габриелем (1763-1769 гг.). Родившийся во Франции, стиль Рококо быстро распространялся в других странах благодаря французским художникам, работавшим за границей, а также публикациям проектов французских архитекторов. За пределами Франции Рококо наибольшего расцвета достиг в Германии и Австрии, где впитал в себя традиционные элементы барокко. В архитектуре церквей, таких, как церковь в Фирценхайлигене (1743-1772 гг.) (архитектор Нёйман), пространственные конструкции, торжественность барокко превосходно сочетаются со свойственным Рококо изысканным скульптурным и живописным внутренним убранством, создавая впечатление лёгкости и сказочного изобилия. Сторонник Рококо в Италии - архитектор Тьеполо - способствовал его распространению в Испании. Что касается Англии, то здесь Рококо оказал влияние в основном на прикладные искусства, например на инкрустацию мебели и производство серебряных изделий, и частично на творчество таких мастеров, как Хогарт или Гейнсборо, у которых утончённость образов и артистическая манера письма полностью соответствует духу Рококо. Стиль Рококо был весьма популярен в Центральной Европе вплоть до конца 18 века, тогда как во Франции и других западных странах интерес к нему ослабел уже в 1860-х гг. К этому времени он воспринимался как символ легковесности и был вытеснен неоклассицизмом.

Романтизм (Romanticism), идейное и художественное направление, возникшее в европейской и американской культуре конца 18 века - первой половины 19 века, как реакция на эстетику классицизма. Первоначально сложился (1790-е гг.) в философии и поэзии в Германии, а позднее (1820-е гг.) распространился в Англии, Франции и других странах. Он предопределил последнее развитие искусства, даже те его направления, которые выступали против него. Новыми критериями в искусстве стали свобода самовыражения, повышенное внимание к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественность, искренность и раскованность, пришедшие на смену подражанию классическим образцам 18 века. Романтики отвергали рационализм и практицизм Просвещения как механистичный, безличностный и искусственный. Вместо этого они во главу угла ставили эмоциональность выражения, вдохновение. Чувствуя себя свободными от приходящей в упадок системы аристократического правления, они стремились высказать свои новые взгляды, открытые ими истины. Изменилось их место в обществе. Они нашли своего читателя среди растущего среднего класса, готового эмоционально поддержать и даже преклоняться перед художником - гением и пророком. Сдержанность и смирение были отвергнуты. Им на смену пришли сильные эмоции, часто доходящие до крайностей. Некоторые романтики обратились к таинственному, загадочному, даже ужасному, народным поверьям, сказкам. Романтизм был частично связан с демократическими, национальными и революционными движениями, хотя "классическая" культура Французской революции на самом деле замедлили приход Романтизма во Францию. В это время возникает несколько литературных движений, важнейшие из которых - "Буря и натиск" в Германии, примитивизм во Франции, во главе которого стоял Жан-Жак Руссо, готический роман, повышается интерес к возвышенному, балладам и старым романсам (от которых собственно и произошёл термин "Романтизм"). Источником вдохновения для немецких писателей, теоретиков йенской школы (братьев Шлегель, Новалиса и других), объявивших себя романтиками, была трансцендентальная философия Канта и Фихте, которая ставила во главу угла творческие возможности разума. Эти новые идеи благодаря Колриджу проникли в Англию и Францию, а также определили развитие американского трансцендентализма. Таким образом, Романтизм зародился как литературное течение, но оказал значительное влияние на музыку и меньшее на живопись. В изобразительном искусстве Романтизм наиболее ярко проявился в живописи и графике, меньше - в архитектуре. В 18 веке излюбленными мотивами художников были горные пейзажи и живописные руины. Его основные черты - динамичность композиции, объёмная пространственность, насыщенный колорит, светотень (например, произведения Тёрнера, Жерико и Делакруа). Среди других художников-романтиков можно назвать Фузели, Мартина. Творчество прерафаэлитов и неоготический стиль в архитектуре также можно рассматривать как проявление Романтизма.